Antonio, a distanza di poche settimane dalla pubblicazione del tuo nuovo lavoro “Breathing” come definiresti questo progetto rispetto ai tuoi precedenti lavori?

“Innazitutto questo lavoro fa parte di un mio percorso evolutivo, interiore e musicale che nel tempo mi ha portato sin qui. “Breathing” è un disco molto particolare, primo perchè è dedicato quasi interamente al grandissimo Miles Davis, del quale ricorre il ventannale della sua scomparsa ( cosa che mi era sfuggita all’epoca del suo concepimento), e poi perchè ho voluto tentare di riprodurre il suono della sua tromba, con “quella particolare” sordina, ma mediante la breath guitar, chitara a fiato. La sua particolarità è quella di avere la capacità di riprodurre un suono simile a quello della tromba ma con le caratteristiche della digitazione dei tasti della chitarra. Avrei potuto coinvolgere un trombettista, questo esperimento invece, va oltre, proprio nel suo intento espressivo. Quando terminai il lavoro mi rivolsi al mio carissimo amico Paolo Fresu chiedendogli di curarmi le note di copertina e lui, discepolo unico di Miles ha scritto benissimo, come meglio non si sarebbe potuto, elogiando tra l’altro questa mia rilettura supponendo addirittura che lo stesso Davis avrebbe “apprezzazto e gradito” questa operazione. Ed io ovviamente ne sono orgoglioso”.

Che cos’è il cambiamento per te e come è cambiata la tua musica dall’epoca della collaborazione con Francesco d’Errico in “Lunaria”?

Parliamo del 1989…

“Il cambiamento in genere è qualcosa di molto personale e chi vive di musica, cioè chi lo fa per professione, è abituato ai mutamenti. Per esempio se circoscriviamo l’ambito alla sfera della musica all’epoca di “Lunaria”- e quella fu un’esperienza “mitica”,  fu un disco per il quale si lavorò molto alla sua realizzazione, con prove estenuanti e costi notevoli, all’epoca una produzione era costosa e complessa, bè a quell’epoca fare un disco significava essere “arrivati”, mica tutti facevano dischi…Poi con l’avvento del digitale e la “deflagrazione” della discografia tutto è cambiato. Oggi un disco è come un biglietto da visita e basta. Ma non c’è rispetto nè per se stessi, nè per la musica dalla quale proveniamo tutti. I ragazzi,oggi, che si riuniscono e fanno una demo con gli “standard jazz “non sempre sanno cosa stanno facendo. Rileggere anche un Jimi Hendrix, che è passato alla storia per “uno” rock( niente di più assurdo..), significa comprendere a fondo l’impronta che ha lasciato, lui era uno “sperimentatore” della musica,  un inventore dell’art-music mentre io trovo ci sia molta confusione…al riguardo”.

In questo disco hai mescolato la tua esigenza di rielaborare Davis con la tue origini partenope intinte qua e là di atmosfere mediterranee anche attraverso l’uso di sonorità più popolari ed in alcuni brani addiritura orchestrali. Quanto c’è di spontaneo e quanto ha influito la necessità di raggiungere più pubblico?

“Io quando compongo non lo faccio mai pensando solo a me raggomitolato dentro i miei fraseggi ma cerco di creare come un filo di comunicazione tra me e chi mi ascolta, tralasciando, se possibile, l’autorefenzialità, di cui spesso i miei colleghi abusano, non serve, credo. Questa però è una mia esigenza profonda e non nasce dalla programmazione a tavolino, attingo da me per arrivare agli altri, tanto poi quello che ha raggiunto loro ,mi ritorna, ma arricchito di un nuovo senso”.

  Francesco, rispetto al discorso della composizione per gli altri, tu che sei un jazzista ma che spesso attingi alla musica da camera e che hai più spesso “partorito”progetti di stampo un pò  più elitario, qual’è il tuo pensiero ricorrente quando fai un disco?

“Io quando compongo lo faccio perchè piace a me essenzialmente e per mia fortuna, e per questo sono grato alla mia famiglia che mi ha sempre sostenuto, non sono mai stato costretto a seguire strade come dire più accattivanti nè strizzare l’occhio ad un genere piuttosto che ad un altro. Il jazz,  in quanto tale, è musica d’intrattenimento ma come tutta la musica leggera americana prima della seconda guerra mondiale ( da cui poi nacque pure il rock ‘n roll cioè un Elvis Presley che venne importato in Inghilterra da cui poi nacquero i Beatles e così via) ma tutto questo non è che una costola dello stesso filone come un Glenn Miller che arriva poi a Lady Gaga e un Mario Biondi che però è un personaggio pop: insomma la distinzione dei generi non funziona nè le caratteristiche assegnabili ad ognuno di essi. C’è invece il disegno di chi compone, l’approccio progettuale che cambia, nel mio ultimo lavoro “A Glance”  l’impronta è decisamente meditativa rispetto ad esempio ai precedenti “Slow-food” 4 e  5, ma io sono già al lavoro per il nuovo disco che invece costuirà come un balance, un pò l’altra faccia, sempre in trio, della mia musica”. Detto questo quando lavoro in gruppo amo farlo in totale rispetto dei musicisti che sono con me in quel momento, la linea compositiva di un disco dipende proprio dal fatto che io chiamo quel musicista piuttosto che un altro conoscendo le sue caratteristiche, devono sentirsi liberi perchè è necessaria un’apertura, un dialogo. La consapevolezza è una sola, se si sceglie la via della libertà questa non sempre sarà compatibile con la popolarità, ma è così e bisogna scegliere”.

Francesco, da insegnante sei molto vicino ai giovani, che prospettive pensi debbano avere nel rapporto con la musica in un momento come questo in cui il modello imperante è quello di arrivare in alto e nel più breve tempo possibile…

“Come dicevamo prima la prima cosa da far arrivare ai ragazzi che si avvicinano alla musica è il rispetto anche verso se stessi e il proprio talento che va coltivato, con gli anni, nel tempo, in maniera rigorosa, severa, anche sopportando momenti di noia, di fatica poichè è l’unico modo di fare le cose, quello di imparare a farle. Questo è l’unico insegnamento che viene prima dello studio di uno strumento,  la dedizione, così come  era cinquant’anni fa, cento anni fa e da sempre. Il computer sarà anche più veloce ma il fatto che in una sola notte io possa scaricare tutta la discografia di un Davis, o di Henrix non vuol dire che quella musica entra nella mia testa più velocemente di un tempo. Quindi smantellare questo concetto della velocità poichè il nostro cervello è lo stesso di quello di un antico romano, e non un computer. Chi vuole farti credere che non sia così ha senz’altro un suo motivo recondito che diviene, in suo possesso, unostrumento di controllo e, ritornando a ciò che dicevamo, una limitazione alla tua libertà…”.

                                                                                                                 Astro

Omar Sosa e Paolo Fresu

Delirio e partecipazione per una mescolanza e una fisicità del tutto nuova e stravagante. L’apparente piccola mole del Fresu ripiegato, a piedi nudi, sulla sua tromba, fiancheggiava la prestanza corporea del Sosa quasi in un gioco d’alternanze speculari che fondendosi l’una dentro l’altra parevano partorire un altro spirito, quello nuovo, quello della loro musica, quello di “Promise”. Un’avventura nuova e una sperimentazione a confronto che grazie alla forza del potere espressivo della sola musica ha narrato silenzi e parole d’oltre ogni geografia, idiomi e categorie, stili e culture per incontrarsi su nuove strade dell’anima, quella universale. Santeria e menhir insieme, mescolati come uniche facce di mille volti racchiusi, purtroppo, in soli 90’. In un’unica sferzata di coraggio espressivo un tuffo nella musica onirica, quella che viaggia, quella vera, quella profonda, connaturata solo nei grandi spiriti. ..Mentre intanto prosegue il tour di Omar Sosa e per saperne di più visitare il sito: www.cartadamusica.it

Anna Stromillo

Omar Sosa e Paolo Fresu sono senza dubbio due musicisti eccezionali che, tra utopia e realtà, ci forniscono un’allegoria dello scambio artistico universale. Dopo essersi sfiorati a più riprese in una lunga frequentazione dei palchi delle più prestigiose manifestazioni internazionali, il vero primo incontro avviene a Berchidda, nell’estate del 2004, quando Fresu invita il pianista cubano ad esibirsi al festival di cui cura la direzione artistica. Il pianoforte di Sosa giace all’ombra di un grande ulivo, Fresu e la sua tromba, arrampicati su un grande ramo di quell’albero, sembrano abbracciarli entrambi.

Quel momento sancisce una lunga e profonda amicizia, l’avvio di uno scambio artistico che non si è mai più fermato. Nel 2007 esce “Promise” album che vede Fresu ospite dell’Afreecanos quartet di Sosa e su quel repertorio, i due, per la prima volta, si confronteranno dal 24 luglio con un tour di sette date. Un repertorio imprevedibile quello che l’inusuale duo rivestirà di eclettismo, di curiosità e di voglia di sperimentare. Esplorazione delle radici della musica tradizionale, una miscela di armonie jazz ed elettronica.

L’Africa e la Santeria, la Sardegna e i suoi Menhir, sullo sfondo o in primo piano, ospitano l’incontro di questi due straordinari musicisti che si innalzano fino ai vertici di Miles Davis: quello liricamente straziato e quello acido e aperto all’elettronica.

Omar Sosa: pianoforte, Fender Rhodes, electronics

Paolo Fresu: tromba, flicorno, electronics

Villa Rufolo, 25 Agosto – Ravello